Exhibitions

Carl-Erik Engqvist / HUMlab, de la Universidad de Umea (Suecia) / End to Development /23 de noviembre de 2016

End to Development es el título de la exposición del artista y director artístico de HUMlab, de la Universidad de Umea (Suecia) Carl-Erik Engqvist, que ha tenido lugar desde el 23 de noviembre en la sala EspaciØ. La reciente apertura de esta sala, ubicada en el Palau de Altea, se enmarca dentro de la colaboración entre el Ayuntamiento de Altea y la Universidad Miguel Hernández (UMH) para el uso de este espacio expositivo en el contexto de las actividades de docencia e investigación del campus de Altea de la UMH. La muestra de Engqvist es la tercera organizada dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH.

Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

Esta muestra es la primera individual que Engqvist realiza en España. El propio artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

“End to Development (Fin del desarrollo) es una juego de ordenador donde el jugador se sumerge en algunos de mis poemas en un vacío de ensueño, un lugar situado entre existencias, donde lo inferior es lo superior. Los poemas basados en rótulos estáticos investigan temas mundanos, y los móviles que te persiguen examinan perspectivas más espirituales. No obstante hay que estar alerta ya que hay 1 oportunidad de 5, cada 30 segundos, de que la Muerte aparezca y te aparte de explorar más allá en este reino de status quo. End to Development juega con las estructuras en bucle de los juegos de ordenador y sitúa un filtro existencial en el juego”.

Juego de la videoinstalación descargable en: http://www.visionaryexistence.com/end-development

http://www.visionaryexistence.com/

Simon Lewandowski / Universidad de Leeds (Reino Unido) / Work for Readers and Writers / 15 de noviembre de 2016

Work for Readers and Writers es el título de la performance y exposición del artista y profesor de la Universidad de Leeds (Reino Unido) Simon Lewandowski, que ha tenido lugar desde el 15 de noviembre en la sala EspaciØ.

La reciente apertura de esta sala, ubicada en el Palau de Altea, se enmarca dentro de la colaboración entre el Ayuntamiento de Altea y la Universidad Miguel Hernández (UMH) para el uso de este espacio expositivo en el contexto de las actividades de docencia e investigación del campus de Altea de la UMH.

La muestra de Lewandowski es la segunda organizada dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH. Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

La exposición ha comenzado con una performance del mencionado artista, de reconocido prestigio en Reino Unido, junto a estudiantes del Campus de Altea. Una vez concluida la performance, los materiales de la misma han continuado en la sala, y se les ha incorporado un monitor donde se muestra dicha performance en formato video. Esta muestra es su primera en España. El propio artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

“Work for Readers and Writers (Trabajo para lectores y escritores) reúne tres ideas / sistemas / tropos en torno a los cuales he construido trabajos performativos procedimentales en el pasado.

En primer lugar éste tomó como uno de sus puntos de partida la Máquina de Turing, o más específicamente ese experimento de pensamiento en el que hipotéticamente se usa una cinta de papel continua dividida en celdas. La máquina coloca su cabeza sobre una celda y “lee” el símbolo que contiene. Entonces la máquina escribe un símbolo en la celda, borra el que encuentra o realiza otra acción predeterminada -en nuestro caso, se ofrecieron opciones para leer en alto, escribir o borrar, y cada lector participante constituyó una “cabeza de lectura” y el papel frente a ellos una “celda”.

En segundo lugar, nos acercamos hacia la rica historia de la Partitura Gráfica en la música experimental del siglo XX, tal como lo utilizan Penderecki, Cage, Stockhausen, Cardew y los artistas de Fluxus, entre otros. Para esta obra la puntuación gráfica se hizo más dinámica e interactiva a través del modelo procedimental de la Máquina de Turing; la partitura fue generada y alterada en un proceso de improvisación utilizando el modelo de procedimiento de lectura / escritura / borrado.

Finalmente se planteó la idea de una Lectura Coral o en Ensemble, una idea normalmente más asociada con la alfabetización en escuelas primarias o con oscuras competiciones de locución; pero que, dirigida creativamente, puede impregnar un texto recitado con una rica musicalidad. Los participantes / ejecutantes generaron su texto para una lectura coral contrapuntística en la sesión del taller de improvisación, primero pasando la cinta de papel en blanco alrededor del grupo y probando una serie de reglas autogeneradas – la elección de lectura / escritura / borrado y otras reglas basadas en temas y cuestiones, sonoridad, ritmo y musicalidad, hasta que surgió un conjunto claro de parámetros para un texto satisfactoriamente “performativo”.

Llevé, además de la cinta de papel, un improvisado “metrónomo visual” para establecer el ritmo de los lectores -era una bombilla incandescente encendida y apagada por un microinterruptor disparado por una rueda de leva girada por un pequeño motor eléctrico -la luz se encendió y apagó en una secuencia ligeramente irregular. Los estudiantes improvisaron para el metrónomo un soporte a partir de dos sillas, algunas maderas de desecho y unas cuantas pinzas. No lo toqué en ningún momento, pero parecía una obra mía … ¿cómo era posible? Parece implicar que, en algún nivel no tenemos nosotros las ideas, las ideas nos tienen.

La forma de la performance final también fue determinada por los participantes -en un momento acordado tomaron sus posiciones, de pie en un círculo y leyeron el texto, el ritmo controlado por la luz intermitente que también proporcionó la única iluminación disponible para leer; comenzaron con una sola voz, luego dos y así sucesivamente hasta que todos hablaban, hasta que la palabra final -un grito animal inarticulado- llegó a la última persona. Dejaron la cinta donde estaba y se marcharon, completando el trabajo. Ahora es suyo tanto como mío”.

http://www.simonlewandowski.co.uk/

Daniel Laskarin / Universidad de Victoria (Canadá) / Song for My Father / EspaciØ, Altea / 9 de noviembre de 2016

La exposición Song for My Father del artista canadiense y profesor de la Universidad de Victoria, Daniel Laskarin, ha inaugurado el día 9 de noviembre el proyecto Plan Z que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea, dentro de un programa que mostrará la obra de artistas, profesores y estudiantes, de escuelas de arte extranjeras.

El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en la página web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

Así mismo, la exposición ha inaugurado EspaciØ, situado en el Palau de Altea, gracias a la colaboración entre el Ayuntamiento de Altea y la Universidad Miguel Hernández de Elche para el uso de este espacio expositivo en el contexto de las actividades de docencia e investigación del Campus de Altea.

La exposición muestra una videoinstalación del mencionado escultor, de reconocido prestigio en Canadá y en el noroeste de USA, que expone por primera vez en España con esta muestra. El propio artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

“Song for my father (Canción para mi padre) reúne dos vídeos en bucle bajo una sola pista de sonido. El sonido, una lenta inhalación y exhalación, es generado por el acordeón silenciado que toco en uno de los dos vídeos; el sonido es como el de la respiración. Se sincronizó con las oscilaciones del puente en el segundo vídeo –metraje del puente Tacoma Narrows, momentos antes de su colapso en 1940-.

Este proyecto comenzó con esa película del puente Tacoma Narrows: el metraje de unos segundos antes de su caída catastrófica se amplió en un vídeo sin fin. El trabajo tomó ese breve momento y lo estiró, de modo que su tiempo pudiera extenderse un poco para permitirnos sumergirnos en su duración. La segunda parte de este proyecto surgió de una pieza de performance en la que tocaba el acordeón silenciado durante un período de cinco horas en honor a la vida y muerte de mi padre, acaecida varios años atrás. El vídeo de esta interpretación fue extraído de una segunda puesta en escena de la performance original, y también fue ampliado en un bucle sin fin.

Juntos, los dos bucles de vídeo ofrecen un momento, un evento singular, extendido sin fin. El momento se suspende justo antes de la catástrofe: la caída del puente, el cese de la respiración de mi padre. Es el momento en que todas las cosas –al borde de un final, al límite de un giro hacia una existencia diferente- son puestas en cuestión, o se convierten en posibles. Los videos, proyectados a una escala muy pequeña, siendo su hardware de soporte casi más visible que las imágenes, son íntimos; el sonido llena el espacio, creando un puente que cruza la distancia entre las imágenes, manteniéndolas en suspensión, fijándolas al espacio y al tiempo durante el mayor tiempo posible.

El trabajo honra a mi padre, que murió hace años, que sufrió numerosos problemas de salud, y cuya propia respiración a menudo parecía estar enfrentándose a un fin inmanente. Por fin lo hizo, por supuesto, pero hubo algo enormemente importante entre nosotros justo antes de su muerte. En ese sentido la obra celebra su vida, su aliento, y los acontecimientos anteriores a su fin”.

http://www.laskarin.ca/