Cursos y talleres

El seminario Régimen Live: ontología de las imágenes y realismo capitalista tiene como objetivo indagar críticamente en el proceso de transformación de la sensibilidad vinculada a las imágenesy la reprogramación de los pactos escópicos y de los aparatos de percepción en el neoliberalismo contemporáneo.Para ejemplificar, indagaremos en distintos formatos, voces y soportes visuales.

Tiene como objetivo también, dotar a lxs asistentes de herramientas críticas y propositivas para desarrollar acciones directas de transformación del discurso visualque no pasen por la repetición del pensamiento binario, ya que éste es inaplicable a las lógicas profundamente complejas de momento contemporáneo. Así, este seminario busca  indagar en otras formas de construir conocimiento y agenciamiento.

Tener una voz es ocupar un espacio.

El régimen live no es sólo un proyecto estético sino un proyecto político, epistemológico y económico que se refleja en nuestros cuerpos y en los espacios que ocupamos, transitamos y nos transitan.”El régimen live no es sólo un proyecto estético sino un proyecto político, epistemológico y económico que se refleja en nuestros cuerpos y en los espacios que ocupamos, transitamos y nos transitan.

En la conferencia David MacWilliam Paintings 1977 to 2017, el artista canadiense recorre cuatro décadas de trabajo dedicado a la pintura abstracta. La obra, en sus comienzos durante su etapa de estudiante, en 1977, está influenciada por algunos planteamientos coetános que se estaban poniendo en práctica en distintos lugares del mundo, que podrían describirse como una figuración de escasa iconicidad, toscamente modelada, que en algunos lugares recibió el nombre de New Image Painting.

A lo largo de los años, MacWilliam hace un recorrido de gran coherencia formal, comenzando por pinturas en las que una figura geométrica se superpone sobre un fondo esencialmente plano; pasando después a una mayor complejidad en las figuras, que continúan siendo vagamente geométricas aunque adoptan formas cercanas a objetos reconocibles, como zigurats, conos, cuencos, ánforas, y que incorporan progresivamente volumen y modelado gracias al empleo de la sombra.

Un periodo en que MacWilliam ejerce su docencia en el ámbito del dibujo figurativo se caracteriza por su similitud con las telas representadas en la pintura de los grandes maestros del Renacimiento y el Barroco, trabajadas con gran riqueza de claroscuro en un modelado muy cuidado. Terminada esta etapa, MacWilliam experimenta un periodo de gran libertad creativa en la que experimenta con pintura con aerosol, plantillas lisas o con texturas, números, oxidados, puntos repartidos por el lienzo, dibujos, la veta de la madera, al natural o teñida, etc.

Destacan también un grupo de pinturas sobre madera con fondos de colores planos sobre los que se superponen como figura o elemento figurativo apoyos para practicar la escalada artificial en interiores; y posteriormente se dedica a una abstracción geométrica creada a partir de fórmulas muy sencillas: un reducido número de cuadrados y rectángulos con una gama cromática muy reducida.

Finalmente, en la última década el artista utiliza telas de distintos colores, libres de estructura o bastidor que sujeta a la pared con dos o más clavos, dando lugar a formas irregulares y con dobleces,  a veces teñidas; otras veces recortadas, superpuestas, cosidas o pintadas. De acuerdo con las palabras del artista, en el fondo, siente que siempre ha estado dando vueltas alrededor de la misma pregunta: «Cómo hacer una pintura que te haga pensar sobre lo que la pintura es o puede ser, como un objeto, más que por lo que esté representado en ella».

El taller ¿Arte y Colonialidad? Desplazamientos Fanzineros desde el Sur se planteó como un espacio de producción teórico-práctica, donde leeremos textos, analizaremos imágenes y generaremos nuestras propias propuestas visuales a través de la producción de fanzines o cualquier otro tipo de publicación independiente.

La conferencia Visualidades descoloniales y otras torceduras desde América Latina, a través del análisis de imágenes generadas en fanzines y otro tipo de publicaciones independientes contemporáneas, producidas en América Latina y relacionadas (de una u otra manera) con la conformación de identidades feministas y queer/cuir, trata de compartir las posibilidades ofrecidas por las perspectivas de los análisis visuales descoloniales.

En su conferencia How can one think freely in the shadow of a chapel?, Norberg comienza afirmando que el arte tiene una influencia directa en la sociedad en muchos aspectos y niveles, incluso aunque no nos demos cuenta; y de ahí deriva al concepto de revolución, tanto en su acepción social como en la científica, relacionada con el giro alrededor de un lugar dado. Tomando como ejemplo el Gregor de La metamorfosis de Kafka, en el que el cambio del protagonista conlleva como consecuencia un cambio de su familia, Norberg alude a que el arte implica un cambio, tanto para el espectador como para el propio artista. Todo cambio es una oportunidad y, tal como percibe el propio Gregor, todo es posible. Estas conclusiones son fundamentales para un artista.

Micael Norberg revisa sus obras y recalca la importancia de hechos y conceptos como cambio, inestabilidad, caducidad; la Internacional Situacionista, Mayo del 68 en París y otros lugares, la Sociedad del Espectáculo, la Revolución Francesa; la agobiante demanda de esfuerzo que exige nuestra sociedad, la vida líquida de Zygmunt Bauman, el miedo a ser olvidado o dejado atrás; el tipo de conocimiento que puede producir el arte; la meditación y el cambio de valores; el tatuaje y la experiencia física de ser tatuado; frustación, educación artística, etc.

Tiffany Black dedica en su conferencia ‘Re-negotiating time and place’ exemplified in the work of brook & black a hacer un recorrido por el trabajo de brook and black, el colectivo artístico en el que desarrolla toda su obra creativa, en colaboración con la artista Leora Brook. A modo de introducción señala las diferencias entre la obra que se realiza en el estudio y los trabajos de encargo que han realizado para distintas instituciones, en los que deben ajustarse a fechas de entrega y presupuestos. Black incide especialmente en cómo en este tipo de trabajo se trabaja con los lugares y espacios concretos relacionados con las instituciones.

A modo de ejemplo, la artista muestra los trabajos que han realizado para cinco museos,  en la Universidad de Greenwich, la Wallace Collection, ambos en Londres; el River & Rowing Museum en Henley-on-Thames, Oxfordshire; el Ashmolean Museum, en Oxford, todos ellos en Reino Unido, y el Musée Toulouse-Lautrec en Albi, Francia.

La conferencia concluye con una reflexión sobre el papel del artista contemporáneo y su interacción con las instituciones donde trabajan, las expectativas de los visitantes de los museos, cómo las obras de arte contemporáneo activan la calma habitual del espacio de arte anterior donde se alojan.

En su conferencia Materializing time and space, Emily Hermant hace un recorrido por algunas de sus obras de los últimos diez años. Entre ellas, dedica especial atención a las obras de Spatial Drawings, Lies Lies Lies, Transmission, Thumbprints, I Will Bear Witness, Hesitations, y Searching the Starry Sky.

Spatial Drawings es una serie de obras en las que la artista trabaja con maderas duras, como el roble, forzándolas a arquearse y retorcerse, de manera que trazan curvas en el espacio. Las formas recuerdan la evolución de bailarines en el vacío de la galería donde se expone.

Lies Lies Lies es una obra creada a partir de mentiras grabadas por amigos y desconocidos, recopiladas por la artista y bordadas en hilo blanco. La obra tiene otras manifestaciones, como una página web; cabinas donde los visitantes pueden añadir sus propias mentiras a través de un ordenador, editar las que hayan introducido previamente, o revisar la base de datos de todas las mentiras almacenadas.

Transmission es una obra expuesta ante el altar de una iglesia católica en Canadá que muestra el esquema de la banda sonora de una grabación realizada en las proximidades.

Thumbprints recrea a gran escala la huella dactilar de la artista mediante hileras de alfileres clavados en el muro.

I Will Bear Witness, un trabajo realizado para el porche de una casa en Chicago, alude a la situación de esta vivienda situada en un barrio acomodado, pero cercana al límite de una zona deprimida económicamente de población afroamericana.

Hesitations vuelve a representar esquemas de bandas sonoras mediante clavos colocados en el muro e hilo tensado entre clavos, simulando el recorrido de las ondas. En esta ocasión, el sonido corresponde a los breves ruidos sin significado que emiten los hablantes al dudar en su discurso.

Las obras de la exposición Searching the Starry Sky están trazadas mediante cables de colores extraídos de centros de reciclaje de material tecnológico. La vibración del color, la composición y la repetición recuerdan al pulso incesante de las tecnologías contemporáneas de comunicación.

Gabriela Gómez Rojas reflexiona en su conferencia La relación entre las clases sociales y el género en la investigación sociológica en torno a la necesidad de abordar las interconexiones entre clase social y género desde los estudios feministas, analizando las cuestiones centrales del debate sobre la inclusión de las mujeres en los estudios de estratificación social.

A lo largo de la conferencia se muestran resultados de investigaciones sobre la inserción de la mujer en el mercado laboral y su impacto en el estudio de las clases sociales (caso argentino) y acerca de cómo mirar la heterogeneidad de los hogares. Desde esta mirada se analiza la división del trabajo doméstico entre los cónyuges y algunas concepciones sobre la familia y el trabajo femenino según la clase social. Desde esta perspectiva se puede conocer de qué manera inciden las clases sociales y los tipos de pareja en la división del trabajo doméstico.